Picassova kariéra.

Picassova tvorba odráží stav umění 20. století tím nejlepším možným způsobem, symbolizuje naprostou přiměřenost tehdejší kultuře, vědomí lidí a světonázoru. Pokusme se poukázat na hlavní součásti úspěšné kariéry Pabla Picassa z hlediska uměleckého managementu a propagace umělecké kariéry.

• Datum zveřejnění: 25
• Text: Káťa Kartseva
• Doba čtení: 7 – 11 minut.

Picassova tvorba odráží stav umění 20. století tím nejlepším možným způsobem, symbolizuje naprostou přiměřenost tehdejší kultuře, vědomí lidí a světonázoru. Pokusme se poukázat na hlavní součásti úspěšné kariéry Pabla Picassa z hlediska uměleckého managementu a propagace umělecké kariéry.

Picassova práce a v důsledku toho i jeho úspěšná kariéra zahrnovaly následující, pro 20. století nesmírně důležité ukazatele:

• princip inovace;
• expresivita, spektakulárnost umělecké reality, masově blízká;
• konceptuální charakter, který dal vzniknout četným interpretacím, tedy velké pozornosti médií a kritiků;
• tvůrčí činnost v široké škále uměleckých směrů;
• chování, které vyvolává různé mýty.

Novost a modernost jsou hlavními vektory vývoje nového umění, které nejlépe charakterizují Picassovo dílo. Nové plastické techniky vymýšlí s takovou rychlostí, že se prakticky od počátku své kariéry stává nejvýraznější postavou evropského malířství. Spontánní, chaotické vymýšlení nových stylových trendů ho postavilo na vrchol Olympu, protože v průběhu několika let, když v nich dosáhl nejvyšší úrovně mistrovství, přešel k jiným tvůrčím metodám, zatímco jiní umělci se marně snažili zopakovat jeho, který se již stal jeho předchozím úspěchem. Ano, nebyl úplným, harmonickým umělcem, ale to nebyla ani éra. Picasso je prvním umělcem, který má všechny kvality moderního umělce. Jeho život, nejen jeho práce, jej charakterizoval jako „homo ludens“. Spolu s uznáním rostla i hodnota jeho děl. Jestliže v roce 1908 jeho dílo „Rodina akrobatů“ získal spolek „Medvědí kůže“ za tisíc franků – částka, která tehdy vyděsila mnoho sběratelů. V roce 1914, kdy se Bearskin rozhodl zbavit svých akvizic, byl obraz prodán za 11 500 franků a na aukci v Americe v roce 1931 jeho cena přesáhla milion. Můžeme tedy zaznamenat 100násobný nárůst cen za čtvrt století – a to vše za autorova života.

Podívejme se na vývoj Picassovy kreativní metody, doprovázený rostoucími cenami za jeho díla:

Za výchozí bod Picassovy kariéry je považována jeho výstava ve Vollardu v roce 1901. Marchand v neznámém umělci okamžitě viděl potenciál. Na rozdíl od Cézanna, kterého Vollard znal poměrně dlouho a aktivně ho doporučovali impresionisté, měl Picasso ve svůj prospěch pouze doporučení barcelonského obchodníka Pedra Mañacha a úspěšný nákup tří jeho obrazů v roce 1900 Berthe Weilovou. Vollard však vystavuje Picassa a baskického umělce Iturrina. Předmluvu ke katalogu výstavy napsal vlivný kritik Gustave Coquiot. Výstava měla poněkud skandální úspěch, prodalo se však 15 obrazů. Ačkoli Vollardova galerie byla malá a známá úzkému okruhu sběratelů a výstava nebyla osobní, Vollard měl spojení jak v kritických kruzích, tak v jeho vlastních zákaznících. Pro ctižádostivého umělce Picassa, který ještě nevyvinul svůj vlastní styl, se to stalo silnou vzpruhou v jeho kariéře. Stejně jako jeho přátelství s Gretrudou Steinovou, významnou postavou uměleckého života Paříže. V roce 1906 namaloval její portrét. A již v roce 1907 bylo jeho dílo vystaveno v neméně autoritativní newyorské galerii 291. Modré a poté růžové období však v žádném případě nesouvisí s Picassovou prosperitou. Stále žije v Bateau-Lavoir, již slavný, ale stále chudý a zchátralý.“

Zlomem v Picassově kariéře i v celém umění 1907. století byl kubismus, za jehož hlavní předpoklad je považováno dílo „Les Demoiselles d’Avignon“ (XNUMX).

Picasso. Mladé dámy z Avignonu. 1907

Obraz se stal předchůdcem jednoho z nejradikálnějších a prvních systémů avantgardy a vyvolal veřejný ohlas kolem Picassa a jeho obrazů. A protože se styly měnily velmi rychle, nebylo nutné čekat staletí, aby ocenili jeho přínos do světových dějin umění, což mu zajistilo nesporné povolání umělce, který určoval vývoj umění dvacátého století. Ačkoli „Les Demoiselles d’Avignon“ „. obraz dávno uznávaný historií jako rozhodující revoluci v umění 1913. století, nebyl nejradikálnějšími stejně smýšlejícími lidmi vnímán jako něco významného…“, další výstava ve Vollardu s Picassovymi kubistickými krajinami a Braqueovými díly ustanovila kubismus jako jakýsi integrální plastický systém. V tomto ohledu se opět ukazuje efektivita tandemu „dealer-umělec“, pokud se vytvoří promyšlené výstavy a vytvoří se publicita. Zlatá sekce, časopis Pierra Dumonta, tedy systematicky podporoval kubismus; psali o něm Salmon, Jacob, Apollinaire, v roce 1920 vydal celou sbírku „kubistických umělců“ a v roce 1912… Kahnweiler vydal rozsáhlé dílo „Vzestup kubismu“… kniha Gleizese a Metzminga byla téměř okamžitě přeložena do ruštinyXNUMX. Kritici a více či méně vážně uvažující diváci nebyli kubismem ani tak nadšeni, jako spíše unešeni a uchváceni. Revoluce vidění, vzdáleně, ale přesně v souladu s měnící se realitou, založená nejen na intuici, ale také na analytickém a nelítostném myšlení, umění směřované do hlubin se dotýkalo, znepokojovalo a fascinovalo i ty nejskeptičtější mysli ve vztahu k Novému umění.“ Jinými slovy, umělecká realita navržená Picassem a následně rozvinutá v dílech mnoha dalších umělců citlivě zprostředkovala nálady a stavy společnosti. Umělecká realita tedy, stejně jako v předchozích kulturních érách, fungovala jako spojovací článek mezi umělcem a veřejností. Navíc „…začala se objevovat masová verze kubismu: čistě vnější znaky a techniky kubistů nebylo tak těžké napodobit a zájem vážných diváků o kubismus byl provázen jeho módou. V tomto ohledu je zvláštní, že ze všech trendů raného modernismu byl kubismus prvním, který byl vyměněn za salonní verze.“ „Svoboda se změnila v závislost, se kterou se dokázali smířit jen průměrní lidé. Proto se Picasso, tvůrce kubismu, nikdy nestal jeho zcela submisivním přítokem.

Růst cen Picassa byl jistě určen jeho schopností vytvářet nové plastové formy, které vyvolaly obrovskou reakci veřejnosti. „Rozsah jeho představivosti a únava, která se Picassa rychle dostavila poté, co se zamiloval do jakéhokoli plastového systému, ho na začátku století donutily modelovat cestu téměř celého století.“ „. díky svému tvůrčímu temperamentu, energii a daru nevytváří jen obrazy, ale jevy.“ „Právě na začátku 1910. let 10. století začal Ščukin kupovat Picassovy obrazy (mimochodem už tehdy byly vysoce ceněné; jedno ze zátiší se prodalo za 000 XNUMX franků!) a okamžitě se proslavily v ruských uměleckých kruzích. Chulkov, Berďajev, Sergej Bulgakov a další o nich zároveň píší, zatímco ruští autoři někdy zacházeli s Picassovo uměním s ostře negativním postojem, ale cítili význam a zvláštní modernost Picassa, čímž vytvořili veřejný zájem o umělce. Berďajev, představitel ruského náboženského existencialismu, napsal: „Picasso je nemilosrdným vystavovatelem iluzí ztělesněné, hmotou syntetizované krásy. Zdá se, že krize malby vede k odchodu z fyzického, hmotného těla do jiné, vyšší roviny.“

Picasso pracoval a rozvíjel hnutí kubismu, surrealismu, realismu, primitivismu, jako první vytvořil koláž, studoval možnosti sochařství v malbě a malby v sochařství – jeho dílo zasáhlo téměř všechny sféry uměleckého života, ovlivnilo tvůrčí myšlení celého století. Po Les Demoiselles d’Avignon však druhým dílem, které jej prosadilo jako jednoho z nejvýznamnějších umělců 1937. století, byla Guernica, namalovaná v roce 1937 a vystavená ve španělském pavilonu na Světové výstavě v Paříži téhož roku XNUMX.

Picasso. Guernica. 1937

„Guernica“ obsahovala katastrofu doby, vědomí a bolest lidí. Ačkoli bylo Nové umění důraznější než kdy jindy ve svém zacházení s formou, Picasso vždy dokázal zachovat obsah. Bolest a utrpení pro osud lidstva nikdy neopustilo jeho dílo. „Guernica“ je panel pověřený španělskou vládou, aby upoutal pozornost a vyjádřil zármutek nad zničením baskického hlavního města Guernica hitlerovskými eskadrami – prvním aktem masové vraždy civilistů ze vzduchu v historii. Plastické rozhodnutí, které Picasso učinil ohledně vytvoření obrazu, se ukázalo jako nečekané a vzbudilo v umělci velký zájem.

Ve vztahu k našemu tématu je důležité, že Picasso celou svou tvorbou dal vzniknout spoustě důvodů pro interpretace, které byly v umění 20. století tím faktorem, podle kterého se dal posuzovat význam umělce. Sloužily také jako indikátor jeho investiční atraktivity. Picasso byl předmětem pozornosti nejen uměleckých kritiků a historiků umění, ale také filozofů, jako byl Carl Jung, který poznamenal, že Picasso inklinoval ke smysluplnému „Katabasis eis antron“ (vstupující do divočiny tajného vědění), dokonce i fyzici („A tady věda, narozená teprve před třemi lety a dosud pod nejvážnějším podezříváním z tolika autorit fyziky“!)“ tak dále. Většina uměleckých hnutí odrážela Picassov vliv v té či oné formě.

Na druhé straně společnost prodchnutá duchem kapitalismu byla stále více vystavena konzumní kultuře. Konzumenti umění se již velmi lišili od svých předchůdců minulých staletí, umění se totiž stalo jednou ze sfér „konzumu“. Móda hrála v umění stále důležitější roli a na jeho formování se významně podílel rozvoj kultury volného času a zábavy:

• Zaprvé se Picasso aktivně věnoval divadlu již od první světové války, nejprve navrhl balet „Paráda“ podle scénáře Cocteaua, poté se na pozvání Apollinaira podílel na tvorbě scén pro Ďaghilevovské sezóny.
• Za druhé, a to je důležitější: „V Picassově díle navíc neexistuje jediné významné období bez neustálých, někdy zlých mystifikací. Divák očekává hodnotu šoku – v reakci na Puškinovo: „Tady, vezměte si to rychle“. Občas pracuje s jakousi arogantní radostí, ohlupuje diváka i sebe…“ „Picasso v sobě spojil věčnou snahu umění o vážnost a soucit s tou provokativní hrou, která zakrývá pohled a přitahuje snoby, která se stala předzvěstí postmodernistického modelu.“

Nejen umělecká realita vytvořená Picassem se dostala do samého srdce veřejného povědomí, samotné umělcovo chování, nehoráznost a neustálá výzva, kterou vrhal do všeho, včetně sebe, jeho aktivní spolupráce a společné práce s širokou škálou uměleckých osobností, od Diaghileva po Brigitte Bardot, udělaly z Picassa nejen umělce, ale udělaly z něj ikonu, fenomén a symbol éry. A jak jsme již poznamenali, masové vědomí tyto nové symboly potřebovalo.

Pablo Picasso a Brigitte Bardot v jeho studiu.

Bez ohledu na to, jak moc se umění snažilo přizpůsobit masám, stále zůstávalo ve své podstatě elitářské. A ne všichni bohatí lidé měli potřebné znalosti dějin umění, a co je nejdůležitější, touhu porozumět umění, ale pozornost, kterou k sobě Picasso přitahoval, si nebylo možné nevšimnout. Ukazuje se, že v nových podmínkách je umělec ceněn nejen pro svou zručnost, ale do značné míry pro to, jak se prezentuje a jak aktivně se zapojuje do života společnosti.